تنبور شامل
۱- کاسه
۲- دسته
۳- صفحه
۴- سیم گیر
۵- خرک دسته
۶- خرک صفحه
۷- دو یا سه گوش
۸- دو یا سه سیم
۹- دستان
۱۰- گلو یا گلویی
کاسه : تنبور کاسه ای تقریبا به شکل گلابی دارد در قدیم نوع یکپارچه آن مرسوم بوده اما امروزه نوع ترکه ای آن مرسوم است سازندگان تنبور بر روی آن بین۸تا ۱۲سوراخ ایجاد می کنند این سوراخ ها برای بهتر شدن صدای تنبور کاربرد دارند.جنس کاسه از چوب توت است اما دسته ی آن از چوب گردو ساخته می شود.بلندی تنبور حدود ۹۶ ساننتی متر است.
صفحه : صفحه تنبور از چوب توت است که سوراخ هایی بر رو آن قرار دارد که نحوه قرار گرفتن آنها به سازنده تنبور بستگی دارد.
کوک تنبور بیشتر کوک طرز و کوک برز است.
تنبور بیشتر در گوران، کرمانشاه،صحنه،بخشی از لرستان،قزوین،آذربایجان شرقی،آذربایجان غربی،کردهای عراق و… نواخته می شود به همین دلیل انواع مختلفی از تنبور با توجه به مناطق مختلف به وجود امده مانند:تنبور قوچانی،شروانی،بغدادی،چگور و…
کادارا و کاشبر،اله مراد حمیدی،هوشنگ امیریان،فرخ یادگاری،قباد قبادی،عامر کمالی،نورعلی الهی،عبدالرضا رهنما،مظفر برنجی،سهرابب اظری،امامقلی امامی و … از نوازندگان به نام تنبور هستند.
آموزش انواع ساز تنبور , پیانو , گیتار در آموزشگاه موسیقی نوگاه
آموزش موسیقی با بهترین آموزشگاه موسیقی در تهران سهرودی
تهران ابتدای سهروردی جنوبی (نبش حجازی) ساختمان شماره یک – پلاک ۱۵ – واحد ۱۰ آموزشگاه موسیقی نوگاه
قبل از شروع نوازندگی ،درست نشستن بسیار مهم است.مطمئن شوید که از پیانو خیلی دور یا نزدیک نیستید.پای خود را بروی زمین بگذارید،شما باید قادر به فشار دادن پدال بدون حرکت بیش از صندلی خود باشید.
همچنین پای خود را درست مقابل پدال قرار دهید،به طوری که در زاویه نبوده و درست موازی با پدال باشند.این نکته مهمی است، چون هنگام نوازندگی شما نمیتوانید زمان را نگاه دارید و پای خود را تنظیم کنید،دقیقا مانند رانندگی است.
پای چپ شما برای پدال نرم و پای راست پدال دمپر است.نباید همزمان از یک پا برای دو پدال راست و چپ استفاده کنید.هنگام فشار دادن پدال سعی کنید به آنها نگاه نکنید این باعث میشود که تسلط شما بالا و پدال را احساس میکنید.
هنگام فشار دادن پدال،حتما پاشنه خود را بروی زمین نگه دارید،این به شما کمک خواهد کرد پای خود را کنترل کنید.
بزرگترین کنترل کننده هنگام استفاده از پدال گوش شماست.
آموزش موسیقی با بهترین آموزشگاه موسیقی در تهران سهرودی
تهران ابتدای سهروردی جنوبی (نبش حجازی) ساختمان شماره یک – پلاک ۱۵ – واحد ۱۰ آموزشگاه موسیقی نوگاه
مترونوم ،وسیله ای برای نشان دادن سرعت و گام موسیقی که توسط نوازندگان برای تمرین در حفظ سرعت ثابت با ضربان منظم استفاده میشود و آهنگسازان به عنوان روش تقریبی تعیین سرعت استفاده میکنند.
انواع مختلفی از مترونومها وجود دارد اما می توان آنها را به دو نوع اصلی تقسیم کرد:
آنالوگ(مکانیکی):
مترونوم مکانیکی،به سبک کلاسیک است که با یک باتری کار میکند و نیازی به برق ندارد.
اکثر آنها دارای شمارش سرعت های مختلف وهمچنین تنظیم سرعت شما هستند که به سادگی بروی یک آونگ مع به بالا و پایین حرکت میکند.
شما میتوانید مترونومهای مکانیکی سنتی بزرگ را تهیه کنید وهمچنین از نمونه های کوچکتر استفاده کنید.
دیجیتال:
مترونوم دیجیتالی مزایای بیشتری نسبت به همتای مکانیکی خود دارد از جمله:
توانایی تقویت ضرب موسیقی
استفاده از گوشی
تنظیم صوت
دارای قابلیت های مختلفی مانند تیونر
امروزه ویولن یکی از محبوب ترین ابزارهایی موسیقی است،که میلیون ها هنرجو را برای آموزش ویولن جذب خود می کند.نواختن ویولن مخصوصا برای مبتدیان کار ساده ای نیست. برخلاف پیانو یا گیتار که دارای کلید فرت (Frets) برای تنظیم و قرار گرفتن موقعیت صحیح انگشتان نوازنده بروی دسته ساز است،ویولن دارای چنین ابزاری نیست.
علاوه بر این،کنترل فشار،موقعیت انگشتان و جهت حرکات عضلات برای تولید صدای قابل قبول و صدای با کیفیت،برای مبتدیان دشوار است.اساتید و مربیان آموزشگاه موسیقی آشنا با آموزه های سیستماتیک و روش شناسی،به ویژه در مراحل ابتدایی عوامل تاثیرگذاری هستند.
اما درخارج از کلاس درس،به دلیل نبودن شخصی که ساز را بشناسد و بتوانند بر نواختن آن نظارت کند،ممکن است اکثر هنرجویان در کارهای خانگیشان مسیر غلطی را در پیش بگیرند. در نهایت این تمرین غلط دائمی میشود،که بازگرداندن هنرجو به مسیر درست نیاز به زمان و تلاش بیشتری دارد.
ساز سنتور در آموزشگاه موسیقی نوگاه به هنر جویان علاقه مند آموزش داده می شود.سنتور از ساز های دلنشین است که مخاطبان زیادی را جلب خود کرده است.
نوع سُل کوک سنتوردر ایران رایج است و دارای ۷۲سیم می باشد.امروزه سنتورهای متفاوتی برای کاربردهای مختلفی در اموزشگاه ها وجود دارد مثل:سنتور باس،سنتور ۱۰،۱۱،۱۲،سنتور کروماتیک وکروماتیک بم و…
سنتور از چوب های گردو ،افرا،فوفل وآزاد ساخته می شود به دلیل دسترسی اسان به چوب گردو بیشتر از چوب گزدو که تیره باشد استفاده می کنند.
در اموزشگاه های موسیقی افراد با انواع سنتور،سازهای ان،شکل هندسی و….آشنا می شوند.
سنتور سازی است که پیشینه ایرانی دارد.امروزه سنتور در کشورهای دیگر نیز رواج یافته است.شکل هندسی سنتور ذوزنقه ای است که گونه رایج ان ۷۲ سیم دارد که به دسته های ۴ تایی تقسیم می شود.۹ دسته در کنترل دست چپ، ۹ دسته در کنترل دست راست قرار می گیرد.
ساخت سنتور را ابونصرفارابی آغاز کرد.سنتور از سال های پیشین تا کنون به همین شکل بوده و تغیری در ان ایجاد نشده است.
بهترین نوازندگان این ساز ایرانی هستند،نوازندگان مشهور این ساز محمدصادق خان ،سرورالملک،سیامک آقایی،مجید نجاحی و…و سازندگان ایرانی سنتور مهدی ناظمی و داریوش سالاروند را می توان نام برد.
ساز سه تار به دلیل صدای بسیار ظریف و گوشنوازاز گذشته تا کنون علاقه مندان زیادی به خود جلب کرده است از نوازندگان پیشین این ساز:میرزا عبدل الله،نصرت الله ابراهیمی،درویش خان،یوسف فروتن و….
نوازندگان کنونی این ساز:مجید درخشانی،حسین علییزاده،کیهان کلهر،مسعود شعاری و…
ویژگی های منحصر به فرد سه تار عبارت اند از:
۱-حجم صوتی کم اما ظریف وزیبا
۲-به دلیل جوثه کوچک این ساز استفاده از آن بسیار راحت است
۳-سه تار از جمله کمترین سازهایست که همنوازی آن بسیار گوشنواز است
۴-سه تار از آن دسته سازهاست که همنوازی با آن صدایی بسیار دلنشین و گوشنواز ایجاد می کند
آیا تا به حال به چگونگی پیدایش موسیقی فکر کرده اید؟
آیا از چگونگی به وجود آمدن آلات موسیقی اطلاعی دارید؟
آیا همه ی انواع آلات موسیقی را می شناسید؟
در آموزشگاه موسیقی نوگاه شما را بیشتر با موسیقی آشنا می کنیم.
آشنایی با تاریخچه موسیقی و چگونگی به وجود آمدن آلات موسیقی به درک ما نسبت به موسیقی کمک می کند.در این مقاله به توضیحاتی در مورد موسیقی می پردازیم.
تاریخ موسیقی به زمان های بسیار دور،زمانی که انسان سخن گفتن را آغاز کرد بر می گردد.انسان با درک محیط پیرامون خود و دقت در طبیعت به کشف های زیادی در زمینه های مختلف رسیده است که موسیقی نیز از این قاعده مستثنی نیست.انسان با شنیدن صدای ایجاد شده در نی توسط باد،صدای کوبین دارکوب بر تنه درختان و آواز پرندگان توانست آلات موسیقی را بسازد.
در آثار باستانی نمونه ای از انواع آلات موسیقی چنگ و نی دیده می شود. آثار کشف شده توسط باستان شناسان نشان می دهد که آلات موسیقی از ۵۰۰ تا ۷۰۰ سال پیش وجود داشته است. در این آثار باستانی نمونه ای نوعی ساز شبیه تنبور نیز دیده می شود.نخستین دسته ارکستر در خوزستان بوده است که در سال های ۱۹۶۱ تا ۱۹۶۶ کشف شد.
موسیقی در ایران نیز رواج پیدا کرد. از گذشته تا کنون موسیقی ایرانی را تشکیل شده از هفت دستگاه می دانند: هور،همایون،سه گاه ،چهارگاه،شور،نوا،راست پنجگاه.
موسیقی از اغاز تا کنون دچار تحولات بسیاری شده است. امروزه آلات موسیقی بسیاری به وجود آمده که هر کدام ویژگی و کاربرد خاصی دارد.
آموزش موسیقی با بهترین آموزشگاه موسیقی در تهران سهرودی
تهران ابتدای سهروردی جنوبی (نبش حجازی) ساختمان شماره یک – پلاک ۱۵ – واحد ۱۰ آموزشگاه موسیقی نوگاه
کمانچه امروزه به شکل های گوناگون در فرهنگ بومی ایران شکل گرفته وانواع مختلفی از آن به وجود آمده است . ( کمانچه لری،مازندرانی،بختیاری،ترکمنی،آذربایجانی و…)
کمانچه در موسیقی اصیل استان لرستان جایگاه ویژه ای دارد کمانچه لری نسبت به دیگر کمانچه ها کاسه ای متفاوت دارد و به صورت مخروطی شکل است قسمت زیر کاسه را نیز ندارد در نواختن کمانچه لری بیشتر کار بر روی سیم اول صورت می گیرد.
کوچکترین کمانچه کمانچه ترکنمی است و از پوست ماهی برای ساخت آن استفاده می شود.
ساز کمانچه به تلاش میراث فرهنگی در سال ۱۳۹۶ به ثبت جهانی یونسکو رسید.
کمانچه نوازندگان بسیاری دارد از جمله علی اصغر بهاری،کیهان کلهر،اردشیر کامکار،سعید فرج پور،مجتبی میرزاده،هادی منتظری،فرج علیپور و …
پایه اصلی موسیقی ساز، کوک کردن آن است برای کوک کمانچه دانستن این سه نکته الزامی است:۱- اساس کوک۲- معیار کوک۳- مبنای کوک
در اموزشگاه های موسیقی انوع آلات موسیقی آموزش داده می شود و هنرجویان زیادی برای یادگیری به این مراکز مراجعه می کنند در آموزشگاه موسیقی نوگاه با بهترین اساتید موسیقی را بیاموزیید.
انواع آلات موسیقی شامل انواع ساز های زهی،بادی،کوبه ای،صفحه کلید دارو الکترونیکی است.
اصطلاحا به هر وسیله ای که بتواند صدا تولید کند ساز گفته می شود.
سازهای زهی
دسته بندی ساز های زهی به دو شکل است:دسته ای از نظر ساخت ودسته دیگر از نظر شیوه نواختن.
دسته بندی از نظر ساخت :
۱-بربط ها که در آن ها زه یا تارموازی با صفحه است.
۲- چنگ ها که در آن ها زه یا تارعمود بر صفحه است.
۳-مَعازف که در آن ها زه یا تار به شکل های مختلفی دیده می شود.
دسته بندی از نظر نحوه نواختن:
۱- ساز های زهی زخمه ای : برای نواختن سازهای زخمه ای از انگشت دست یا مضراب استفاده می کنند.ییشتر سازهای زخمه ای از نوع بربط ها هستند. در ساز های زخمه ای گاهاً دیده می شود که به جای استفاده از زخمه از انگشت دست استفاده می کنند. گیتار،سی تار،بانجو از ساز های زخمه ای هستند.
۲-ساز های زهی کمانه ای : برای نواختن این ساز از کمان یا آرشه استفاده می کنند. گاه در نواختن این نوع ساز به جای استفاده از خود کمان از چوب آن استفاده می شود.ویولن وکمانچه از ساز های کمانه ای محسوب می شوند.
۳- ساز های زهی ضربه ای : این نوع ساز ها با ضربه زدن نواخته می شوند پیانو جزء این نوع ساز است.
آموزش موسیقی با بهترین آموزشگاه موسیقی در تهران سهرودی
تهران ابتدای سهروردی جنوبی (نبش حجازی) ساختمان شماره یک – پلاک ۱۵ – واحد ۱۰ آموزشگاه موسیقی نوگاه
۱- تاج
۲- گوشی ها
۳- روکش فلزی
۴- پیچ های خرک
۵- دیسک ها
۶- صفحه صدا
۷- زه
۸- پدال ها
برای نواختن ساز چنگ آن را طوری قرار دهید که سیم های کوتاه تر به شما نزدیک تر باشد.
چنگ را به گونه ای قرار دهید که در بین دو پای شما قرار بگیرد و پای خود را بر روی زمین قرار دهید.
دستان خود را از دو سمت به سیم ها نزدیک کنید. به طوری که کف دستانتان با سیم ها موازی باشد انگشتان دست خود را به سمت کف دستتان خم کنید و روبروی سیم های چنگ قرار دهید.
آرام با انگشت شست وسه انگشت بلندتر دست شروع به نواختن کنید.
انگشتان خود را به آرامی بر روی سیم ها بچرخانید تا با چنگ احساس راحتی کنید.
با نت های ساده شروع کنید.
برای نواختن این ساز می توانید از یکی از اساتید آموزشگاه خود کمک بگیرید.
ساز ساکسیفون سازی است متفاوت که در سبک های مختلف موسیقی می توان از آن استفاده کرد.
این ساز از سازهای بادی است انواع مختلف این ساز در آموزشگا های موسیقی به هنرجویان آموزش داده می شود .
این ساز در دهه ۱۸۴۰ توسط آدولف ساکس اختراع شد.
این ساز بیشتر برای ارکسترها و موسیقی های به سبک جاز به کار برده می شود.
ساز ساکسیفون در موسیقی غرب جایگاه ویژه ای دارد.
۱- گیرنده
۲- لیگاتور
۳- چوب پنبه گیر
۴- گردن
۵- کلید اوکتا
۶- پیچ گردن
۷- پین اوکتا
۸- کلیدها
۹- بدنه
۱۰- قوس
۱۱- نگهبان کلیدها
۱۲- زنگ
تاریخ موسیقی نشان میدهد که پیدایش هنر و انسان بر کرهی خاکی همزاد بودهاند.در واقع همان روزی که بشر توانست نیازهای خود را با پیکان صدا به دوردستها برساند و درد و رنج و شور وشادی خود را با اصوات بنمایاند،نواهای نخستین نیز متولد شد.در آن هنگام طبیعیترین وسیله آواز حنجره انسان و سادهترین ساز ضرباهنگ دستهای او بود.در یونان باستان که رب النوعهای گوناگون عطش آدمی به ایمان را فرو مینشاند.زئوس مظهر خدای آسمانها و رب النوع بشر بوده و یکی از فرزندان او به نام آپولون را الههی خورشید و نور و موسیقی میدانستند که گاه او را به صورت رزمآوری کماندار و گاه به هیأت نوازندهای جوان ترسیم میکردند.
یونانیان معتقد بودند نه فرشته که مربیان صنعت،علم و ادبیات هستند و (میوز) نام دارند کمر به خدمت آپولون بستهاند.چنین به نظر میرسد که نام (موزیک) به مفهوم موسیقی برگرفته از نام این فرشتگان باشد.همانطور که حافظ مراغهای نیز تصریح کرده است موسیقی لفظی یونان و به معنی الحان است.به هر حال با توجه به آنچه ذکر شد اگر حضرت آدم به صورت نمادین به عنوان نخستین سراینده که اولین شعر بشریت را در سوگ فرزندش هابیل سرود،شناخته شده است در تاریخی به همین قدمت نیز باید اولین موسیقیدان را جستوجو کرد.
آموزش موسیقی با بهترین آموزشگاه موسیقی در تهران سهرودی
تهران ابتدای سهروردی جنوبی (نبش حجازی) ساختمان شماره یک – پلاک ۱۵ – واحد ۱
موسیقی ملی ایران ترکیبی از تأثیراتی است که شامل دورههای موسیقی پیش از اسلام و پس از اسلام است.
ایران در قرن بیست ویکم از دوران نخستین صنعت ضبط تا اوخر دهه ۱۹۷۰،دوران غربی شدن را طی کرد.تأثیر موسیقی جاز ، راک و موسیقی الکترونیک نقش مهمی در پیشرفت موسیقی کشور تا زمانی که انقلاب ایران در سالهای ۱۹۷۹ بسیاری از کارها را به پایان رسانید نقش مهمی ایفا کرد.جواد یاساری در دهه ۱۹۷۰ خواننده محبوب و مشهور بوده است و پنج آلبوم را قبل از انقلاب منتشر کرده است.
مهستی در دهه ۶۰ و ۷۰ تا قبل از انقلاب یک خواننده مردمی بود.سپس او در اوایل دهه ۸۰ به انگلیس و سپس به ایالات متحده نقل مکان کرد.
انقلاب اسلامی سال ۱۹۷۸ تغییرات بزرگی در ایرانف به خصوص موسیقی ایجاد کرد. برخی محدودیتها در موسیقی،تاریخ مدرن خود را شکل دادهاند.بررای مثال،خوانندگی زن در مکانهای عمومی ممنوع بودفباعث شدند بسیاری از خوانندگان زن ایرانی به اروپا و ایالات متحده مهاجرت کنند.
پس از انقلاب اسلامی، کشور به موسیقی سنتی بازگشت.
در سالهای دهه ۱۹۹۰ دولت ایران به پخش موسیقی پاپ سانسور کرد که برای رقابت با هنرمندان پاپ ایرانی که به کالیفرنیا مهاجرت کرده بودند،طراحی شده بود.
از آن پس دولت به این موسیقی پاپاجازه داد تا توسعه یابد،اگر چه برای انتشار یا اجرای موسیقی در ایران،یک ترانه ساز یا موسیقیدان باید مجوز دولتی را از وزارت فرهنگ و ارشاد دریافت کند.هنرمندان ایرانی که در قرن جدید محبوبیت خود را به دست آوردهاند شامل فرزاد فرزین و سیروان خسروی هستند.
یک آهنگ پاپ از حودو ۷ ابزار استفاده می شود :
ابی،حسن شماعی زاده،اندی،عارف،عماد،گوگوش ،لیلا فروهر،معین …
سیاوش قمیشی،محمد حیدری،اسفندیار منفرد زاده،صادق نوجوکی،فرید زلاند،جهانبخش پازوکی و…
اردلان سرافراز،ایرج جنتی عطایی و شهریار قنبری
آموزش موسیقی با بهترین آموزشگاه موسیقی در سهرودی
تهران ابتدای سهروردی جنوبی (نبش حجازی) ساختمان شماره یک – پلاک ۱۵ – واحد
گوش دادن به موسیقی پاپ به شما در یادگیری بیشتر درباره ساختار آهنگ کمک خواهد کرد.آهنگ پاپ تکرار ، تعادل و ایدههای جدید موسیقی است. شایع ترین بخشهای یک آهنگ پاپ عبارتند از :
معرفی
معرفی در بخش آغازین آهنگ است.در بیشتر آهنگهای پاپ مقدمه معمولاً ۸-۴ میله است.مقدمه یک آهنگ توجه شنونده را جذب میکند و میت.اند یک نسخه سازشی از آیه یا کور باشد.
آیه
آیه چند بار در یک آهنگ شنیده میشود و موسیقی آن همیشه یکسان است اما اشعار هر آیه تغییر میکند.تابع اصلی آیه این است که داستان را برای شنونده بفرستد.
گروه کر
این آهنگ ممترین بخش آهنگ است که شنونده با یاد میآورد.کورو باید یک ملودی جذاب داشته باشد و اغلب در اوج این آهنگ است.
پل
پل آهنگ اغلب بعد از کنسرت دوم اتفاق میافتد و هدف آن اضافه کردن تنوع به آهنگ شما است. در پل پیشرفت وترهای مختلف را میتواند نوشته شود.
معرفی،آیه،کور،آیه ،کر،پل،کورو
مطالعات متعدد نشان داده است که بخشهایی از مغز مسئول احساسات و به ویژه مراکز پاداش مغز ما به طور مستقیم به یک قطعه موسیقی که قبلا آن را آشنا کردهاید،نسبت به آهنگی که هنوز آشنا نشده است،پاسخ مثبت میدهند.
واقعاً این تعجبی نیست انسان تکرار را دوست دارد ما احساس ایمنتر و راحتتر با چیزی است که قبلاً با آن آشنا هستیم چنین تجربهای برای اکثریت قانع کنندهتر و لذتبخشتر است.
تکرار شنونده را به عنوان شرکت کننده فعال به موسیقی دعوت میکند.
عامل تکرار دو نقش مهم دارد : اول، تکرار یک ویژگی مشخص برای یک موسیقی به طور کلی است اما بیشتر درمورد موسیقی پاپ صدق میکند.
علاوه بر این موسیقی پاپ یک ژانر است که ما بیشتر در معرض آن هستیم.
چارچوب قرار گرفتن در معرض مسائل تا اندازه مقیاس آن اهمیت دارد.انسانها موجودات پیچیدهای هستند مغز ما میلیونها عملیات را در هر ثانیه انجام میدهد بدون آن که آگاه باشیم.در نتیجه این احساسات و خاطرات را تجربه میکنیم.
موسیقی الکترونیک، هر موسیقی شامل پردازش الکترونیکی،مانند ضبط و ویرایش روی نوار و تولید آن،مثل استفاده از بلندگوهاست.
اگرچه هر موسیقی تولید شده توسط وسیله الکتریکی،الکترومکانیکی یا الکترونیکی می تواند موسیقی الکترونیک نامیده شود.
بهتر است بگوییم که برای یک قطعه موسیقی که الکترونیکی باشد.
آهنگساز آن باید پردازش الکترونیکی را بعداً به موسیقی خوذ وارد کند به طوری که محصول نهایی به نحوی در تعامل سازنده با رسانه باشد.
این چیزی نیست که بگوییم سازنده باید هنگام ساختن یک سمفونیا و یک پیانو در هنگام ساخت یک سونات پیانو باید در نظر داشته باشد که ارکستر باشد.
قطعه موسیقی متداول موسیقی گمشده با استفاده از یک گیتار تقویت شده الکترونیک تبدیل نمی شود.
بعضی از ترکیبات تجربی ، اغلب حاوی عناصر احتمال و شاید امتیاز دهی نامعین هستند.
اما لزوماً نیاز به تحقق الکترونیکی ندارد، اما این یک وضعیت تخصصی است.
موسیقی الکترونیک از طیف گسترده ای از منابع صوتی تولید می شود.
از صداهای مورد استفاده توسط میکروفون تا تولیداتی که توسط نویزنده های الکترونیکی تولید می شود.
نصب و راه اندازی کامپیوترهای پیچیده و میکروپروسسورها روی نوار ضبط می شود و سپس به صورت دائمی ویرایش می شود.
به طور کلی ، به استثنای یک نوع موسیقی انجام شده که “موسیقی الکترونیک زنده” نامیده می شود.
موسیقی الکترونیک از طریق بلندگو به تنهایی یا در ترکیب با ابزارهای معمول موسیقی پخش می شود.
امیلی برلینر با توجه به علاقه فراوانی که به ضبط صدا داشت با بررسی گرامافون و فونوگرافی و پیدا کردن معایب آن دو نتیجه گرفت که :
سیلندر موم برای ضبط صدا دائمی بسیار نرم و شکننده بود.
همچنین سیلندر موم به سرعت خسته می شود، بنابراین مواد با دوام بیشتری نیاز بود.
شیارهای عموی به اندازه کافی عمیق نبود که سوزن را از لغزیدن در سطح سیلندر حفظ کند.
در فونوگراف و گرامافون سوزن سیلندر باید به طور پیوسته در سراسر سیلندر عبور کند.
شیار دائمی عمیق می تواند از پیچ خوردگی سوزن جلوگیری کند اما شیار عمیق به تنهایی نمی تواند مشکلات را برطرف کند.
سیلندر موم نرم نمی تواند تولید انبوه کند بناراین اگر ضبط به صورت انبوه انجام شود نیاز به فکس های دقیق تری است.
ما با گذشت زمان از بسیاری از نقص های سیلندر غلبه کردند.
این مشکلات را بل و تایتنر نیز پذیرفته بودند.
امیلی برلینر بسیاری از مشکلات گرامافون را کشف کرد.
این مشکلات توسط مخترع درسخنرانی مؤسسه فرانکلین در فیلادلفیا در سال ۱۸۸۸ شرح داده شد.
او خیلی زود به این نتیجه رسید که :
از قالب دیسک همراه با ارتعاش جانبی که لئون اسکات در فضانورد خود استفاده کرده بود، استفاده کند.
ارتعاش با صحبت کردن در انتهای قسمت بزرگ یک بلندگو ساخته شده که انتهای کوچک آن یک دیافراگم نازک بود که می تواند آزادانه ارتعاش کند.
یک قلم نازک متصل به دیافراگم آهنگ های کوچک را روی شیشه های سیاه پوشش می دهد.
سپس می توان از این لرزش ها عکس گرفت و مورد مطالعه قرار گیرد.
برلین تصمصم گرفت تا با فونوگراف کار کند،
ابتدا او سعی کرد تا ردپای ظریف را که در شیشه سیاه ساخته شده بود به وسیله گراور سازی به وسیله عکاسی به مفهوم قوی تری تبدیل کند.
بعد از تلاش های بسیار برلینر وارد فرایندی شد که دیسک های روی را از روی معمولی با مخلوط روغن مایع و بنزین سرد بسازد.
سپس خط های زیبا به وسیله سوز پیوسته به میکا دیافراگم ساخته شد که ارتعاش سوزن به این طرف و آن طرف رفع شد.
پس از آن دیسک را در محلول اسیدی غوطه ور کرد.
پس از یک زمان مشخص ، اسید خطوط خالص را را به شیارهای عمق روی تبدیل کرد و قسمت های باقی مانده دیسک دست نخورده باقی ماند.
با ارتعاشی که روی صفحه روی ایجاد شد، ان را روی یک صفحه گردونه قرار داد و صدا را با سوزن فولادی بازگرداند.
و این گونه بود که اولین گرامافون اختراع شد و به عنوان نخستین اختراع برلینر در تاریخ ۸ نوامبر ۱۸۸۷ به ثبت رسید.
آموزش موسیقی با بهترین آموزشگاه موسیقی در سهرودی
تهران ابتدای سهروردی جنوبی (نبش حجازی) ساختمان شماره یک – پلاک ۱۵ – واحد ۱۰
رهبر ارکستر این توانایی را دارد که همه را به هیجان آورد در حالی که افراد دیگر در حال نواختن ساز خود هستند.
برای یک اجرای قدرتمند،مهارت رهبر ارکستر نقش ویژه ای دارد.
کار گروهی در ارکستر بسیار مهم است.
بدون کار گروهی تفسیر انسجامی از موسیقی غیر ممکن است.
یک ارکستر سمفونی مثالی واقعی از کار گروهی،همکاری،نظم،یادگیری،وضوح نقش و اجرا و رهبری واقعی در عمل است.
یک رهبر باید درک کند که چگونه سبک خود را با هم ترکیب کند تا یک گروه با افراد مختلف را به یک صدای واحد برساند.
هینزل ارکستر معروف کار خود را در سال ۱۹۸۶ به ارث برده است.او با موهای سفید و لهجه آلمانی،دارای سبکی مرکزید است اما او دارای بینش Freud است.
یک رهبر ارکستر دارای یک دید روشن برای هر قطعه موسیقی است،دیدگاه های ملموس و دیدگاه های نامحسوس.
آن ها دارای نمره هستند که نقش جزئی و دقیق از آنچه که هر نوازنده در هر لحظه ای که در عملکرد انجام می دهد،فراهم می کند، این دیدگاهی مملموس و محسوس است.
علاوه بر این،Leader،دیدگاه شخصی خود را در مورد نحوه عملکرد صدا،تفسیر عاطفی از موسیقی که یک چشم انداز نامحسوس است.
هر ارکستر به تنهایی در جهان ریشه در نقش ها و مسئولیت ها دارد،و اغلب یک موسیقیدان است.
وظیفه آن ها تکرار یک رفتار نیست به معنای واقعی آن ها یک وسیله را می نوازند.
رهبر ارکستر در پدیوم(جایگاه موسیقی) باقیمی ماند و بقیه نوازندگان را هماهنگ می کند.
هر کس در تیم شما باید به طور کامل نقش و مسئولیت های خود را درک کند.
شناسایی ارتباطات و وابستگی ها و ایجاد مراحل برای اطمیناناز اینکه تصمصم گیری در سطح مناسب با افراد مناسب انجام شود.
یک رهبر نه فقط در مدیریت زمان نقش دارد.
همچنین به عنوان مربی تیم عمل می کنند و تلاش می کنند تا بهترین عملکرد را از هر فرد و عملکرد جمعی ارکستر بدست آورند.
رهبران ارکستر زمانی که مورد نیاز است ، تشویق می کنند و جهت مسیر را در صورت نیاز سریعتر،آرام تر و بلندتر تغییر می دهند.
مربی باز خورد را به طوری که قابل اعتماد است و قابلیت های تیم او را ایجاد می کند.
در مورد چگونگی پیشرفت، جهت و دیدگاه خود را با تیم در میان بگذارید.
شناسایی فرصت های یادگیری،مهارت هایی که می توانند تقویت شوند و شکاف هایی که باید مورد توجه قرار گیرند.
یادگیری یکی از مهمترین جنبه های رهبر ارکستر موفق است.
در ضمن یادگیری خود را نادیده نگیرید.
رهبر ارکستر در جایگاه ایستاده است،بنابراین هر کس در ارکستر می تواند آن را ببیند
این مهم است وقتی که شما در ردیف پشت نشسته اید،همانطور بر کار خود تسلط داشته باشید.
به عنوان یک رهبر ارکستر نگران حرکات دست خود نباشید و حرکات کودکانه خود را کنار بگذارید.
آن ها ضرب های پایدار را ا رائه می دهند که ارکستر را با همان سرعت اجرامی کند و شروع به پخش می کند.
آن ها نانه های تصویری مناسب را ارائه می دهند نه به این دلیل که آن ها به سکوت ما اعتماد نمی کنند، بلکه به این دلیل که پشت آن ها به ماست و می خواهند اطمینان حاصل کنند که عملکرد ما آنقدر می تواند خوب باشد.
رهبران ارکستر مشهور:
دودامل،راتل،میشل،راتل،ویلیامز
رهبران ارکستر ایرانی :
نزهت امیری،علی رهبری،نادر مشایخی،شهرداد
رهبری ارکستر یک هدف نیست بلکه یک سفر است.این مجموعه ای از مهارت ها،نگرش ها و رفتارهایی است که نیاز به تمرین،تثبیت و تسلط دارند.
به همان شیوه ای که نوازندگان و سرپرستان زمان تمرین و یادگیری مهارت ها را برای استادان خود می گذارند،در انجام این کار شما فقط می توانید خود را در ارائه یک عملکرد رهبر ارکستر در کنار یک تیم که برای حضار قابل تحصین است باشید.
سبک های آکاردئون در سه نوع وجود دارد :
دیاتونیک،کروماتیک و صفحه کلید.
در یک ابزار استاندارد، کلید در سمت راست دستگاه پخش است. سمت چپ یاد آور وتر یا باس است که برای ریتم مورد استفاده قرار می گیرید.
آکاردئون دیاتونیک دارای یک ، دو یا سه ردیف دکمه هستند و هر ردیف با یک کلید خاص تنظیم می شود و فقط دارای یادداشت های آن مقیاس اسنت.
هر دکمه توجه خاصی را به خود اختصاص می دهد بسته به این که آیا فلاشینگ فشرده شده یا گسترش یافته است.
آکاردئون دیاتونیک عموماً دارای دو یا چهار دکمه سمت چپ است که یادآور باس و پیانو است که با دکمه های ملودی تنظیم می شود،صرف نظر از اینکه آیا سیلندرها تحت فشار قرار می گیرند یا خرد می شوند.
آکاردئون های دیاتونیک به طور کلی می توانند با هر کلیدی نواخته شود و حداقل یک دکمه برای هر یادداشت استاندار،طبیعی،تیز یا تخت داشته باشند.
سمت چپ دستگاه حاوی انواع آکورد است
آکاردئون آروماتیک دارای سه تا پنج ردیف دکمه دراطرلا ملودی است.
برخلاف آکاردئون دیاتونیک، این دکمه ها با یک یادداشت خاص تنظیم می شود.
آکاردئون های کروماتیک به طور کلی توسط هر کلیدی نواخته شودو حداقل برای یک دکمه برای هر یادداشت استاندارد،طبیعی،تیز یا تخت داشته باشند.
سمت چپ دستگاه حاوی انواع آکورد است.
آکاردئون پیانو
آکاردئون پیانو به طور کلی برای مردم شناخته شده تر است.
افرادی مانند لارنی ولک و یانیک این ابزار موسیقی را محبوب کردند.
سمت راست به سادگی یک صفحه کلید پیانو است و فقط همان کار را انجام می دهد.
سمت چپ هر کدام دارای ۸ تا ۱۲۰ دکمه وتر است.
آکوردئونیست ها ممکن است علاقه مند باشند بدانند که اصطلاح “musette” در یک فرهنگ لغت جامع از آلات موسیقی به عنوان ” یک اصطلاح عمومی برای” dumplin کوچک” تعریف شده است.
در اواخر قرن نوزدهم، انواع و اصطلاحات مختلفی از موارد ذکر شده در بالا در خصوص آکوردئون نیز صدق می کند.
با این حال ویژگی هایی که در آکوردئون مدرن گنجانده شده است به نظر می رسد که آن ها را به عنوان یک ابزار متنوع تر تبدیل می کند.
این ویژگی ها عملکرد کارهای رسمی تر را برای آکوردئون و رونوشت های آثاری که برای ابزارهای دیگر نوشته شده است را قادر می سازد.
از سال های اخیر استقاده از MIDI و الکترونیک نیز از ویژگی های برجسته توسعه آکوردئون بوده است.
همانطور که قبلا ذکر شد،آکوردئون پیانو ریشه در آنچه که ما در حال حاضر به نوع،Concertion،دکمه اول،صفحه کلید پیانو، به آن اعمال می کنیم،ریشه دارد.
سیستم استاددل باس با دو ردیف عمودی از یادداشت های تک و چهار ردیف عمودی اختراع شد.
هر دکمه یک وتر پیش ساخته را فعال می کند.
به زودی این سیستم به طور گسترده به سیسشتم باس مقبول تبدیل شد،
که معمولا با نام “stradella bass” یا ” bass standard” استاندارد شناخته می شود.
تقریبا در سطح جهانی یکی از بهترین سیستم های آموزشی در هر ابزار شناخته شده است.
stadella باس،هنگامی که همراه با صفحه کلید پیانو،نیاز به پخش است تا دانش خود را در هر دو مورد توسعه دهد.
این باعث می شود آن را در میان تمام ابزار موسیقی منحصر به فرد،
داشتن هر دو یادداشت های تک و آکورد پیش ساخته شده در یک زمان در دسترس است.
هر هنگ درام با دست و با شیوه ای خاص نواخته می شود.
ساختار غیر خطی هنگ مسیرهای بی حد و مرز را برای دست وانگشتان به حرکت و رقص در بسیاری از سبک ها و موقعیت ها می دهد.
هنگ بسیار به تماس دست حساس است و حتی با سبک ترین لمس اثرات عمیقی نشان می دهد.
با گذشت زمان دست ها و هنگ احساس جدایی ناپذیری بین یکدیگر به وجود می آورند،
که ذهن را آرام می کند دست ها هدایت می شوند…قلب واکنش نشان می دهد و دست ها پاسخ می دهند.
این مثل یک رقص هماهنگ است که یک اتحاد را به وجود می آورد.
برای هرکدام از هنگ ها،چندین سوراخ وجود دارد که از مرکز گنبد به سمت صاف آن پخش می شوند.
درام یک تن اساسی با صدای زنگ دارد که دقیقاً یک اوکتاو بالاتر از صدای اصلی است.
جهت گیری صداها در تمام هنگ سازگار است،
به طوری که نوازنده می تواند ایده دقیق را در مورد نوع صدا تولید شده توسط ضربه زدن به یک نقطه خاص داشته باشد.
پوسته پایینی هنگ دارای یک حفره برای تشدید و همچنین باز شدن طولانی است که به GU شناخته می شود.
با اندازه این حفره می تواند تولید انواع مختلف صدا را تنظیم کرد.
در کشیدن یک چوب بر سطح ضربه ای به طرف چپ می زند می تواند یک شاکر را حفظ می کند.
هنگ درام می تواند ذهن شما را تقویت کند
هنگام گوش دادن به بسیاری از صداهای مختلف هنگ درام،
و شنیدن آن ها به طور یکپارچه و ترکیب آن ها باهم،ذهن فعال تر می شود.
مطالعات اثرات قدرتمند موسیقی بر بدن و ذهنیت ما تأیید می کنند،
زیرا گوش دادن به موسیقی در بسیاری از قسمت های مختلف مغز تأثیر می گذارد.
گوش دادن به موسیقی می تواند انگیزه و خلاقیت را تسهیل کند و تفکر را روشن می کند.
موسیقی هنگ درام می تواند نور و هوا و ارائه یک پس زمینه شگفت انگیز برای هر کار که باید انجام شود را ایجاد می کند.
سبک های موسیقی یک رده متعارف اند که بعضی از قطعات موسیقی را به عنوان یک سنت مشترک یا مجموعه ای از قراردادها تعریف می کنند.
موسیقی را می توان به روش های مختلف به سبک های موسیقی مختلف تقسیم کرد.
ماهیت هنری موسیقی به این معنی است که این طبقه بندی ها اغلب ذهنی و بحث برانگیز هستند،
و برخی از سبک های موسیقی ممکن است باهم همپوشانی داشته باشند.
دهه ۱۹۲۰با مطرح شدن مصنوعات بشر در گسترش موسیقی همراه بود.
در این هنگام موضوعاتی چون پیشرفت سریع شهرسازی و فرهنگ زندگی ماشینی به عرصه ی هنر،
از جمله سبک های موسیقی کشیده شد و توسط آن تفسیر و بیان گردید.
در اواخر قرن بیستم این سبک رسالت خود را در رویارویی با آنچه انزوا طلبی مرموز موسیقی می نامیدند،می دانستند
و در نوشتن قطعاتی تلاش می کردند که بیش از پیش برای مخاطبان قابل فهم و استفاده باشد.
به طور کلی سبک های موسیقی در آمریکا از سه جریان مشخص شامل :
موسیقی محلی مهاجران،سرخ پوستان و عمده ترین آن ها الهام از نبوغ ستمدیده ترین و محروم ترین مردم این کشور یعنی سیاهان شکل گرفت.
جاز از سبک های بارز موسیقی قرن بیستم بود که در آمریکا متولد شد و مسقل از موسیقی اروپایی به رشد خود ادامه داد.
جاز در فرهنگ غرب آفریقا و اروپایی ریشه دارد.
گفته شده است که جاز”یکی از اشکال هنر اصلی آمریکایی است” و ترکیبی منحصر به فرد از خلاقیت،سازگاری و تعامل دارد.
سبک موسیقی جاز در اواخر قرن نوزدهم تا اوایل قرن بیستم،نقش مهمی در معرفی جهان به تعدادی از نی چون
الافیتزجرالد،بتی کارتر،ابی لینکلن و اتل واترز داشت.
سبک موسیقی جاز در واقع واکنش سیاهان علیه بیدادگری های دوران بردگیست که در سال ۱۹۰۰ در ناحیه می سی سی پی آمریکا متولد شد.
این نوع موسیقی هیجان انگیز بر اساس آواز های مذهبی و سبک موسیقی بلوز پدیدار شد.
مهم ترین ویژگی موسیقی جاز بدیهه نوازی آن است که ارائه قطعه ای زیبا توسط نوازنده را امکان پذیر می سازد،
و نقش و حضور آهنگ را کم رنگ تر می نماید.
از خصوصیات دیگر این نوع موسیقی ریتم مهیج،جادویی و ملودی های مشخص برگرفته از ترانه های سیاهان و ترکیب فولکلوریک آن می باشد.
سبک موسیقی جاز خیلی سریع در میان سفید پوستان رواج یافت و در دهه ۱۹۲۰ در سراسر جهان به اوج رسید.
از دیگر سبک های موسیقی،موسیقی الکترونیک است.
در اواخر دهه چهل (پیر شفیر) در پاریس به کمک ضبط صوت و سایر تمهیدات به تجربه هایی در جهت ایجاد اصوات متغیر موزیکال دست یافت.
این تجارت به جنبشی با نام”موزیک کانکریت”منجر شد.
سپس در نیمه ی دوم قرن بیستم با پیشرفت علوم مختلف به خصوص علم الکترونیک موسیقی الکترونیکی، موسیقی به گامی فراتر دست یافت.
دستگاه های الکترونیکی با توجه به قابلیت اجرایی خود هم توانایی تقلید اصوات ساز های سنتی را داشته و هم قادر به ایجاد صداهای متنوع و جدید بودند،
و با این ویژگی تحولی عظیم در عرصه ی موسیقی پدید آورند و موسیقی را به معنای واقعی آن از انحصار و انزوا خارج کرده و به درون جوامع سوق دادند.
آواز خوانی مانند ریحانا،ماریا کری و مایکل جکسون همه را در صنعت موسیقی با عشق خود به موسیقی این نوع از موسیقی را ساخته اند.
این موسیقی آفریقایی- آمریکایی که در دهه ۱۹۴۰ به وجود آمد،
ترکیبی از هیپ هاپ،فانک،رقص و پاپ است.
شما ممکن است در حالی که در باشگاه هستید یک سری موسیقی تکنو را دیده باشید.
اما تکنو دیترویت است که پایه و اساس این نوع موسیقی است.
برخلاف روزهای ظهور آن،استفاده از تکنولوژی امروزه کیفیت این سبک های موسیقی را افزایش داده است
و روز به روز محبوبیت آن را در میان مردم به ارمغان می آورد.
یکی دیگر از سبک های محبوب موسیقی آمریکایی در دهه ۱۹۲۰ آغاز شد.
موسیقی کانتری ریشه های موسیقی آمریکایی و غربی دارد.
این با استفاده از اشکال ساده از ابزارهای مختلف از گیتار الکتریکی و فولادی به درامز و ماندولین یا دهان تشکیل شده است.
ترکیبی کامل از هیپ هاپ و موسیقی الکترونیک است.
الکترو فانک با استفاده از دستگاه درام،Vocoder و talkbox کمک می کند تا خود را در شکل دیگری از موسیقی نشان دهد.
شواهد نشان می دهد که پن فلوت به عنوان یک ابزار موسیقی در سایر نقاط جهان نیز وجود داشته و مختص اروپا نبوده است.
در آسیا یکی از قدیمی ترین پان فلوت کشف شده است.
این فلوت نوعی فلاکت پن است که دارای یک لوله بزرگ در وسط است با لوله هایی در دو طرف که به طور متقارن کوجک شده اند.
این ابزار برای ادای سوگند مورد استفاده قرار می گرفته است.
پن فلوت یک از ساز های موسیقی است که صدایی بسیار دلنشین دارد.
پان فلوت انواع مختلف در طرح های متفاوت دارد که عبارت اند از :
پن فلوت آنترا از کوه های آند کره شمالی ریشه گرفته است.
معمولاً آنتارا از ۱۳ لوله بامبو ساخته شده است که کمی خمیده است.
۱۳ لوله نت های مختلفی ایجاد می کنند.
پان فلوت آنترا به طور سنتی توسط مردان در منطقه کوه آند، که امروزه نیز از آن استفاده می شود نواخته می شود.
پان فلوت نای دارای ریشه رومانیانی و طراحی منحصر به فرد چرخشی است.
لوله های منحنی طیف گسترده ای از صداها را ایجاد می کنندو
نوازنده برای استفاده از تمام لوله ها سر را می چرخاند.
با چرخش فلوت و حرکت فک صدا ایجاد می شود.
فلوت پن نای در قرن هفدهم اختراع شد.
معمولاً نای با ۲۲ لوله از چوب بامبو ساخته می شود.
سایکو یا زامپونا فلوت پن در کوه آند و بولیوی استفاده شد است.
در اصل فلوت پن سیکا در پرو ساخته شده است.
معمولاً پن فلوت سیکا با ۱۳ لوله از چوب بامبو استو
فلوت سیکا به گونه ایست که دو نفره هم می تواند نواخته شود.
در آغاز آهنگسازی بایدبدانید که:
تمرین داشته باشید.
ساختار آهنگ پایه را درک کنید.
فیلم تماشا کنید.
پیدا کردن آنچه که شما می خواهید ارائه دهید.
شما باید قادر به تولید و ترکیب کردن،تمرین خروجی مفید باشید.
سازندگان موسیقی آهنگ های خود را به ترتیب،ایجاد،تولید و ضبط،ترتیب می دهند که صدای آلبوم هنرمند دیگری را ایجاد می کنند و یا آهنگ هایی را برای پروژه های خود ایجاد می کنند.
درک درستی از فرایند تولید موسیقی،شاید شگفت انگیزترین تولید کننده،مهندس یا ترانه نواز تازه کار است.
بدون تجربه تماشای حرفه ای ها،کاریس را انجام می دهند،تازه کار با رویکرد آزمایش و خطا کنار گذاشته می شود.
فرایند تولید موسیقی همیشه برای هنرمند منحصربه فرد است.
هیچ روش منفردی وجود ندارد که بتواند برای هر هنرمند کار کند.
بسیاری از این شرایط ،سالها تجربه ضبط و تولید راب ه طور کامل درک می کنند.
کار کردن در یک استودیوی ضبط تجاری کاملاً بهترین راه برای به دست آوردن این تجربه است.
با تماشای بسیاری از تولیدکنندگان و مهندسین مختلف کار خود را انجام می دهند،شما با تعداد زیادی از ایده ها برای نزدیک شدن به مشکلات روزمره که هنگام تولید موسیقی بوجود می آید پر می شود.
مطالعه هرگونه هنر یا رشته هم همیشه با بلوک های ساختمانی پایه آغاز می شود.
اینها به طور معمول روش ها یا شیوه هایی کارآمد و درستی را در نظر می گیرند که نتایج مثبتی را به صورت سازگار به دست می دهند.
در موسیقی،این مبانی تولید موسیقی اساس تصمیم گیری های دیگر است.
روش ها وابزار هایی که اغلب متخصصان در فرآیند تولید موسیقی در مفهوم طراحی بسیار شبیه هستند،بسیار مشابه هستند.
با وجود اینکه شخصیت ها و گفتمان هه ممکن است بر روی کار متفاوت ظاهر شوند،فرآیند اصلی اساساً یکسان است.
نح,ه استفاده از این روش ها از هنرمند تا هنرمند متفاوت است.
نوازنده روی یک تشک یا فرش می نشیند.
نوازنده ساز رباب را روی پای راست قرار می دهند.
و شیار عمیق بین اتاق های پایین و بالای آن به طور موازی با ران باقی می ماند،به طوری که روباب در حدود ۴۵ درجه نسبت به بدن نوازنده حرکت می کند.
سر ابزار در زاویه حدود ۲۰ درجه از سطح است.
در حالی که رباب قطعاً می تواند بر روی یک صندلی نشسته باشد،موقعیت متقابل از نقطه نظر ارگونومی مطلوب است.
رباب نوازی نیاز به استفاده از دو انگشت(انگشت اول و انگشت سوم) است.
برخی از انگشت دوم نیز استفاده می کنند اما انگشت چهارم معمولاً استفاده نمی شود.
رشته باید با انگشت به منظور دست یابی به یک صدای واضح فشار داده شوند.
ناخن ها باید نسبتاً کوتاه باشد تا وضوح بیشتری داشته باشند.
ساز رباب با یک زخمه چوبی نواخته می شود و نیاز به یک موقعیت ویژه برای دست راست است که مچ دست به شدت خم شود.
زخمه بین انگشت شست و انگشت اول نگه داشته می شود.
لبه ناخن انگشت اول مجاور انگشت شست باید کمی کوچکتر به نظر برسد تا بتواند به نفوذ زخمه برسد.
وضعیت خمشی مچ دست راست باعث ایجاد عدم تعادل بین سقوط است.
رکود پایین در طول رشته مسطح نیست،بلکه به سمت پایین حرکت می کند.
این وزن دست در پشت آن است و دارای صدای قوی تری نسبت به ارتفاعی است،به ویژه اگر دست نیز بر دلوم تأثیر می گذارد و یک عنصر مشتاق مشخص را اضافه می کند.
هنگامی که در رشته ۳ رعایت می شود،مضراب به رشته دوم در می آید و هنگامی که رشته دوم را رعایت می کند،مضراب به رشته اول رجوع می کند.
عدم تعادل در صدای سقوط و بالا رفتن ،بدین معنا است که تغییرات متفاوتی از پایین و بالا رفتن موجب تولید الگوهای مختلف ریتمیک می شوند،چیزی که در نواختن ساز رباب مورد سوء استفاده قرار می گیرد و طیف وسیعی از الگوهای ریتمیک آن است.
این روزها، کشور روسیه محبوبیت زیادی در بین متقاضیان تحصیل در رشته دندانپزشکی مخصوصا دانشجویان حوزه های آسیایی پیدا کرده است.
دانشگاه تخصصی دندانپزشکی روسیه با جدیدترین و مدرن ترین تکنولوژی ها و تاسیسات، سیستم عالی و با کیفیت آموزش پزشکی، شهرت بالایی میان دانشجویان خارجی دارند.
تحصیل دندانپزشکی در روسیه شامل هزینه های تحصیل متقاضیان در مقایسه با سایر کشورهای اروپایی و آمریکا و بسیاری از ممالک دیگر مناسب تر میباشد.
روسیه به دنبال پیشرفته تر کردن زیرساخت ها و فناوری های سطح جهانی است.
علیرغم ارائه آموزش های مقرون به صرفه در پزشکی ، دانشجویان از استانداردهای بالای آموزش همراه با خوابگاههای مجهز بهره مند می شوند.
متقاضیان تحصیل دندانپزشکی در روسیه که از یکی از دانشکده های معتبر روسیه فارغ التحصیل می شوند میتوانند پس از گذراندن آزمون علمی مجوز طبابت را در ایران بست آورند.
جدای از این موضوع آنچه که روسیه را به یک مقصد طراز اول برای تحصیلات پزشکی و دندانپزشکی تبدیل کرده است، فرآیند سریع درخواست و پذیرش ، همچنین عدم آزمون ورودی در اکثر دانشگاه های پزشکی و دندانپزشکی روسیه میباشد.
دندانپزشکی در روسیه
برنامه های پزشکی و مدت دوره پزشکی در روسیه
یکی از سوال های مهم این است که تحصیل پزشکی در روسیه چند سال طول می کشد؟
در دانشگاه های روسیه برای گرفتن مدرک دکترای پزشکی و پزشکی عمومی، دندانپزشکی بسته به زبان آموزش ،حدود 6-7 سال زمان لازم است.
دوره های پزشکی در هر دو زبان انگلیسی و روسی به دانش آموز ارائه می شود.
یک دوره پزشکی که در کلاسهای روسی تدریس می شود، برای تکمیل 7 سال زمان می برد،
و برای دانشجویان بین المللی آموزش زبان روسی یک دوره ی ابتدایی یک ساله نیز طول می کشد.
و برای زبان انگلیسی 6 سال زمان می برد
تحصیل در روسیه را مطالعه بفرمایید
مدارک لازم برای دوره پزشکی
برای ویزای دانشجویی: پس از دریافت “نامه دعوت به تحصیل” از وزارت مهاجرت فدراسیون روسیه، دانش آموزان باید به سفارت / کنسولگری روسیه در کشور خود برای درخواست ویزای دانشجویی مراجعه کنند.
اسناد زیر لازم است:
این روزها، کشور روسیه محبوبیت زیادی در بین متقاضیان تحصیل در رشته دندانپزشکی مخصوصا دانشجویان حوزه های آسیایی پیدا کرده است.
دانشگاه تخصصی دندانپزشکی روسیه با جدیدترین و مدرن ترین تکنولوژی ها و تاسیسات، سیستم عالی و با کیفیت آموزش پزشکی، شهرت بالایی میان دانشجویان خارجی دارند.
تحصیل دندانپزشکی در روسیه شامل هزینه های تحصیل متقاضیان در مقایسه با سایر کشورهای اروپایی و آمریکا و بسیاری از ممالک دیگر مناسب تر میباشد.
روسیه به دنبال پیشرفته تر کردن زیرساخت ها و فناوری های سطح جهانی است.
علیرغم ارائه آموزش های مقرون به صرفه در پزشکی ، دانشجویان از استانداردهای بالای آموزش همراه با خوابگاههای مجهز بهره مند می شوند.
متقاضیان تحصیل دندانپزشکی در روسیه که از یکی از دانشکده های معتبر روسیه فارغ التحصیل می شوند میتوانند پس از گذراندن آزمون علمی مجوز طبابت را در ایران بست آورند.
جدای از این موضوع آنچه که روسیه را به یک مقصد طراز اول برای تحصیلات پزشکی و دندانپزشکی تبدیل کرده است، فرآیند سریع درخواست و پذیرش ، همچنین عدم آزمون ورودی در اکثر دانشگاه های پزشکی و دندانپزشکی روسیه میباشد.
دندانپزشکی در روسیه
برنامه های پزشکی و مدت دوره پزشکی در روسیه
یکی از سوال های مهم این است که تحصیل پزشکی در روسیه چند سال طول می کشد؟
در دانشگاه های روسیه برای گرفتن مدرک دکترای پزشکی و پزشکی عمومی، دندانپزشکی بسته به زبان آموزش ،حدود 6-7 سال زمان لازم است.
دوره های پزشکی در هر دو زبان انگلیسی و روسی به دانش آموز ارائه می شود.
یک دوره پزشکی که در کلاسهای روسی تدریس می شود، برای تکمیل 7 سال زمان می برد،
و برای دانشجویان بین المللی آموزش زبان روسی یک دوره ی ابتدایی یک ساله نیز طول می کشد.
و برای زبان انگلیسی 6 سال زمان می برد
تحصیل در روسیه را مطالعه بفرمایید
مدارک لازم برای دوره پزشکی
برای ویزای دانشجویی: پس از دریافت “نامه دعوت به تحصیل” از وزارت مهاجرت فدراسیون روسیه، دانش آموزان باید به سفارت / کنسولگری روسیه در کشور خود برای درخواست ویزای دانشجویی مراجعه کنند.
اسناد زیر لازم است:
درباره این سایت